TALLER DE APROPIACIONISMO FÍLMICO
[Edición y postproducción básica con ADOBE PREMIERE]
A quién va dirigido
Personas tanto interesadas en el campo del audiovisual como artistas que tengan un proyecto propio a realizar.
Descripción
El taller se plantea como un ejercicio creativo, en el que se emplearán herramientas digitales de vídeo, imagen y sonido para desarrollar las propuestas de cada alumno.
Cada participante hará una selección material de archivo filmográfico que se encuentre en DOMINIO PÚBLICO. Debe realizar una investigación sobre los derechos de autor del material que va a emplear o puede, directamente, extraer contenidos de páginas de plataformas de archivos libres como archive.org.
Las imágenes seleccionadas nos servirán para manipular y experimentar de diferentes formas, dependiendo de los requerimientos de cada idea.
El objetivo del taller consiste en que los integrantes desarrollen un proyecto audiovisual donde des-compongan y re-compongan una o varias películas hasta el punto que hagan propia la película resultante del experimento.
En estas jornadas aprenderán a usar los recursos para obtener la digitalización del cine como el ripeo de imágenes y el telecine casero.
También se mostrarán diferentes métodos de edición: sonorización, composición por capas, procedimientos de collage, recursos de colorización, empleo de máscaras, y otros efectos especiales.
La práctica toma en cuenta la construcción libre. Es decir, que se potenciará la experimentación durante el proceso, pudiéndose prescindir de la linealidad narrativa convencional, jugar con la gama de las posibilidades técnicas, alterar la lógica visual y/o la del discurso,... todo entre las diversas opciones.
Se hará un recorrido por diferentes fases procesuales, tales como: visualización y selección del material, la composición/aproximación de la idea, la edición y la post-producción del material.
Digitalización de las ideas
El taller pretende poner en marcha las propuestas creativas de los alumnos, facilitando durante el proceso el mayor soporte técnico.
Software
Para la elaboración de los vídeos usaremos los programas de Adobe:
Photoshop, After Effects, Audacity y Premiere (dependiendo del nivel del asistente).
OBJETIVOS DEL TALLER
· Realización de un vídeo experiental, realizado a partir de imágenes de un banco filmográfico.
· Impulsar en la práctica la intencionalidad creativa.
· Ofrecer a los integrantes un surtido de visionado fílmico donde otros cineastas o videoartistas hayan seguido procesos similares en sus creaciones.
· Enseñar todos los pasos técnicos necesarios para realizar un montaje con vídeo y audio.
· Transmitir nociones de post-producción básica (uso de filtros correctores, efectos especiales y capas).
· Obtener conclusiones en grupo y reflexionar a través de la opinión compartida.
· Que las jornadas de trabajo sean lo más prácticas posibles.
METODOLOGÍA
El taller impulsa la actitud hacia la creación artística con herramientas contemporáneas.
Durante las jornadas del taller se habrá un seguimiento y tutoría del proceso de cada proyecto.
Haremos una presentación de los resultados el último día, y comentaremos los trabajos y la experiencia.
El curso se adaptará al nivel técnico y creativo de cada participante.
Desde el inicio, se proporcionará a cada alumno una lista con todos los referentes que se vean
en clase (enlaces a Internet, tutoriales, códecs, shortcuts, etc.).
PROGRAMA
La dinámica del taller se basará en conocer los siguientes conceptos:
1. Teórico-visual:
Breve introducción al cine experimental y apropiacionista:
A través de un visionado que mostrará referentes del cine experimental, del videoarte y del vídeo amateur.
2. Práctico:
- Software: Adobe Premiere o Final Cut.
- Apropiarnos de material de archivo audiovisual desde internet, DVD o pantalla de proyección (telecine).
- Manejo del software de edición y sus herramientas.
- Efectos especiales: filtros correctores, animación básica, transiciones, ajustes de imagen y de audio.
- Sonorización (ambiente / samples / componer por pistas)
- Trabajar por capas: tituladora, capas de vídeo, chroma, máscaras, collage audiovisual.
- Exportar vídeo. Compresores de salida.
ANEXO TEXTO
[videoarte y apropiacionismo]
Por Rafael Pinilla, licenciado en historia del arte
La década de los 60 es un período de especial relevancia en el campo creativo; en esta época aparecerán una diversidad llamativa de lenguajes artísticos que convivirán e incluso interactuarán entre ellos. Es la época de la ambigüedad del pop art, del reduccionismo del minimal, de las intervenciones paisajísticas del land art o de la irreverencia transgresora de Fluxus. También durante esta década y la siguiente los artistas intentarán vincular más que nunca el arte a la vida; son tiempos en que el objeto artístico tiende a una progresiva desmaterialización y la obra de arte aparece muchas veces ligada al entorno más inmediato.
En estos años se estaban produciendo tanto en Europa como en Estados Unidos una serie de fenómenos que sin duda condicionarán decisivamente a la sociedad y a la práctica artística del momento. Se había salido del conformismo de la década anterior y se imponían nuevos cambios; además, la crispada situación socio-política no propiciaba precisamente el inmovilismo. En Estados Unidos moría asesinado Kennedy, estallaban violentos disturbios raciales y se enviaban tropas a Vietnam. Será una época de revueltas y de ideas revolucionarias que pretenderán cambiar el mundo; aparecerá con fuerza el pacifismo, surgirán las comunas de hippies, y se producirán unas revueltas estudiantiles que marcarían para siempre a toda una generación.
Junto a todo esto, el inicio de la década vendrá también caracterizado por el creciente poder del control informativo. Son tiempos en que la enorme presencia de televisiones, radios y prensa están llamados a condicionar poderosamente la forma de pensar del hombre occidental. Sin embargo, a pesar de ello, los sectores más críticos de una sociedad cada vez más desengañada y combativa reaccionarán ante la unidireccionalidad manipuladora de los mass-media.
Precisamente hay que relacionar los orígenes del vídeo y su incorporación a la práctica artística con esta oposición militante y combativa a los medios de comunicación, y de forma más concreta a la televisión. Además de esta actitud contrainformativa, el vídeo también aparecerá ligado a lenguajes interdisciplinares y anti-objeto de los artistas del happening, la performance o el grupo Fluxus.
Vinculado a Fluxus aparece la figura de Nam June Paik, uno de los pioneros -si no el pionero- del videoarte. Este histriónico coreano coincidirá con el alemán Wolf Vostell en la ciudad de Colonia; precisamente en los famosos estudios de la WDR-TV ambos iniciarán sus primeras experiencias con el medio televisivo. En 1963 Paik y Vostell mostrarán sus primeras realizaciones artísticas con aparatos de televisión. En 1965 Paik llevará a cabo su primera exposición personal en la ciudad de Nueva York. Ese mismo año logrará adquirir un portapack de Sony antes de su comercialización y con el filmará la primera obra con un equipo portátil de vídeo.
Estas experiencias pre-vídeo serán anteriores a la definitiva comercialización en Estados Unidos del portapack; con el lanzamiento de Sony del equipo portátil de vídeo en 1968 es cuando se iniciará la larga carrera del videoarte. Poco a poco el nuevo medio se irá incorporando a todo tipo de disciplinas artísticas -música, danza, performance-, también pronto tendrá lugar la primera muestra monográfica sobre videoarte en Estados Unidos.
Después de estas primeras experiencias, el vídeo atravesará un importante desarrollo en las siguientes dos décadas; de hecho la lista de artistas que se afiliarán al vídeo podría ser lo suficientemente extensa como para poner de relieve que pronto la videocreación será asimilada y absorbida por los circuitos artísticos comerciales. Precisamente esta asimilación institucional coincidirá con la crisis de la modernidad y el inicio de la era postmoderna. A pesar de todo, el videoarte no morirá con la modernidad y continuará su trayectoria, una trayectoria realmente rica y heterogénea plagada de propuestas e ideas particulares.
Una de las prácticas artísticas mas peculiares que aparecerá ligada al fenómeno del vídeo será el denominado found-footage. Muchos artistas se interesarán por las posibilidades del collage y la apropiación aplicada al terreno del vídeo. Así, alrededor de los años 60 aparecerán una serie de creadores y colectivos que articularán un discurso visual a partir de todo tipo de fragmentos de filmes o programas televisivos. Esta corriente tendría sus antecedentes en la plástica cubista de Picasso o Braque y en las aportaciones dadaístas de Schwitters, Arp o Ernst. También aparecerá una estrecha conexión con los movimientos pop y su interés en la acumulación de lenguajes relacionados con los medios de comunicación y la publicidad.
Sin embargo, además de las corrientes de vanguardia , el recurso del collage y la apropiación de la imagen -en este caso filmada- será utilizado por la misma industria cinematográfica. Si se presta atención, ya desde el primer cine se observa el recurso de la incorporación de fragmentos extraídos de otras fuentes filmadas. Y no sólo el cine utilizará el recurso del reciclaje o la apropiación de imágenes; si observamos la televisión contemporánea, cualquier noticiario, serie, spot o video-clip utiliza con alegría el recurso de la usurpación audiovisual. En cualquier caso esto pone de relieve que la práctica del collage, apropiación o reciclaje fílmico se remonta al mismo origen del medio audiovisual.
La obra basada en el reciclaje y la apropiación plantea una serie de interesantes cuestiones. Este tipo de obras prescinden de la filmación convencional y del rodaje; se trata de un tipo de realización de bajo coste. Los artistas del reciclaje audiovisual son conscientes de la inmensa cantidad de imágenes que pueblan el entorno del hombre moderno; existen una gran cantidad de obras filmadas que pueden ser reutilizadas con otros fines. Precisamente en este último punto se encuentra la idea principal del film de reciclaje; la manipulación y reordenación a la que el artista somete la imagen propicia una nueva visión; esta nueva mirada oscila normalmente entre la crítica visceral o el simple ludismo. En cualquier caso la imagen primigenia propiciará sin quererlo una nueva lectura de ella misma.
De todos los creadores vinculados a este tipo de obras basadas en la sustracción cinematográfica y su posterior manipulación, merece una especial atención por su radicalidad los grupos situacionistas y letristas. Estos dos grupos, con un carácter abiertamente combativo, contarán con la militancia en sus filas de personalidades como Guy Debord, Cécile Fontaine o Roland Sabatier. Estos colectivos cuestionarán la propia imagen filmada a través de todo tipo de intervenciones y acciones directas sobre el mismo film. Así, en muchas de sus obras, se agredirá de forma virulenta la imagen y el sonido, atacando violentamente a la vacía y hueca reproducción realista.
Estas agresiones consistirán a veces en el raspado, la ralladura o incluso el perforado de la cinta con todo tipo de elementos y sustancias. Junto a este ataque a la fidelidad realista de la imagen, también se pretenderá la total adulteración del sonido original a través de interferencias y distorsiones. Estas actitudes agresoras implican una destrucción radical del material sonoro y visual de la película, impidiendo al espectador la simple contemplación estética de la obra en cuestión. En cualquier caso estos grupos basarán su discurso en la acción y en la agresión de la imagen apropiada. Al final, además del ataque virulento a la imagen, también se pretenderá en última instancia la agresión al espectador convencional; un espectador que, como ocurre hoy en día, aparece sumido en la más absoluta de las parálisis.
Quizás una nueva actitud iconoclasta ante la sobresaturación visual que hoy padecemos no esté demasiado en consonancia con los tiempos que corren. En pocos años la densidad de la iconosfera se ha ampliado considerablemente; el hombre actual aparece envuelto en un torbellino de imágenes, las nuevas tecnologías permiten incluso sumergirse en ellas. Es por eso que una actitud crítica ante la imagen -ya sea cinematográfica, televisiva o infográfica- y su casi siempre vacío contenido, se hace necesario por no decir vital.
REFERENCIAS
Top50 películas de dominio público
Open Culture
Free movies online list
Free Hitchcock Movies
Archive.org
Public Domain Movies
List of films in the public domain in the United States
Found-footage/ Apropiacionismo
Videoarte Tumblr
Experimental film found-footage vimeo channel
Cine reciclado Tumblr
Las Barbas Indómitas
María Cañas
Xoxé Tétano
La bronca del bibliotecario
La Sociedad del Espectáculo
Alberto Cabrera Bernal
Left Hand Rotation
Desfasada en Disneyland
Fantasmas en GoogleMaps
Waaaaghrt!!!
Ganglios + Lefthandrotation
Bibliotecas de audio
Free-sound project
Jamendo
ALUMNOS
El número máximo de alumnos será de 25 personas.
El nivel técnico de vídeo es indiferente, aunque es aconsejable estar familiarizado con el uso de ordenadores.
HORAS
Mínimo de 12 horas y máximo de 25 horas
CALENDARIO
El taller se impartirá en un total de 20-25 horas distribuidas en seis días (flexible).
En cada jornada (de unas 4 horas) se dedicarán aproximadamente las dos primeras horas para explicar el manejo del software.
NECESIDADES TÉCNICAS
• Pantalla de proyección y altavoces conectados al ordenador de la profesora.
• Conexión a Internet (para posibles descargas y visionado online de los referentes)
• Ordenador: Es aconsejable que los participantes dispongan de su propio ordenador portátil.
• Tener instalado Adobe Premiere Pro o cualquier versión de Adobe Premiere CS
Nota: Se puede descargar gratuitamente el software de prueba de 30 días que Adobe ofrece en su página web:
http://www.adobe.com/cfusion/tdrc/index.cfm?product=premiere_pro
Es preferible no instalar antes de una semana del comienzo del taller, pues el programa tiene un mes de caducidad.
A quién va dirigido
Personas tanto interesadas en el campo del audiovisual como artistas que tengan un proyecto propio a realizar.
Descripción
El taller se plantea como un ejercicio creativo, en el que se emplearán herramientas digitales de vídeo, imagen y sonido para desarrollar las propuestas de cada alumno.
Cada participante hará una selección material de archivo filmográfico que se encuentre en DOMINIO PÚBLICO. Debe realizar una investigación sobre los derechos de autor del material que va a emplear o puede, directamente, extraer contenidos de páginas de plataformas de archivos libres como archive.org.
Las imágenes seleccionadas nos servirán para manipular y experimentar de diferentes formas, dependiendo de los requerimientos de cada idea.
El objetivo del taller consiste en que los integrantes desarrollen un proyecto audiovisual donde des-compongan y re-compongan una o varias películas hasta el punto que hagan propia la película resultante del experimento.
En estas jornadas aprenderán a usar los recursos para obtener la digitalización del cine como el ripeo de imágenes y el telecine casero.
También se mostrarán diferentes métodos de edición: sonorización, composición por capas, procedimientos de collage, recursos de colorización, empleo de máscaras, y otros efectos especiales.
La práctica toma en cuenta la construcción libre. Es decir, que se potenciará la experimentación durante el proceso, pudiéndose prescindir de la linealidad narrativa convencional, jugar con la gama de las posibilidades técnicas, alterar la lógica visual y/o la del discurso,... todo entre las diversas opciones.
Se hará un recorrido por diferentes fases procesuales, tales como: visualización y selección del material, la composición/aproximación de la idea, la edición y la post-producción del material.
Digitalización de las ideas
El taller pretende poner en marcha las propuestas creativas de los alumnos, facilitando durante el proceso el mayor soporte técnico.
Software
Para la elaboración de los vídeos usaremos los programas de Adobe:
Photoshop, After Effects, Audacity y Premiere (dependiendo del nivel del asistente).
OBJETIVOS DEL TALLER
· Realización de un vídeo experiental, realizado a partir de imágenes de un banco filmográfico.
· Impulsar en la práctica la intencionalidad creativa.
· Ofrecer a los integrantes un surtido de visionado fílmico donde otros cineastas o videoartistas hayan seguido procesos similares en sus creaciones.
· Enseñar todos los pasos técnicos necesarios para realizar un montaje con vídeo y audio.
· Transmitir nociones de post-producción básica (uso de filtros correctores, efectos especiales y capas).
· Obtener conclusiones en grupo y reflexionar a través de la opinión compartida.
· Que las jornadas de trabajo sean lo más prácticas posibles.
METODOLOGÍA
El taller impulsa la actitud hacia la creación artística con herramientas contemporáneas.
Durante las jornadas del taller se habrá un seguimiento y tutoría del proceso de cada proyecto.
Haremos una presentación de los resultados el último día, y comentaremos los trabajos y la experiencia.
El curso se adaptará al nivel técnico y creativo de cada participante.
Desde el inicio, se proporcionará a cada alumno una lista con todos los referentes que se vean
en clase (enlaces a Internet, tutoriales, códecs, shortcuts, etc.).
PROGRAMA
La dinámica del taller se basará en conocer los siguientes conceptos:
1. Teórico-visual:
Breve introducción al cine experimental y apropiacionista:
A través de un visionado que mostrará referentes del cine experimental, del videoarte y del vídeo amateur.
2. Práctico:
- Software: Adobe Premiere o Final Cut.
- Apropiarnos de material de archivo audiovisual desde internet, DVD o pantalla de proyección (telecine).
- Manejo del software de edición y sus herramientas.
- Efectos especiales: filtros correctores, animación básica, transiciones, ajustes de imagen y de audio.
- Sonorización (ambiente / samples / componer por pistas)
- Trabajar por capas: tituladora, capas de vídeo, chroma, máscaras, collage audiovisual.
- Exportar vídeo. Compresores de salida.
ANEXO TEXTO
[videoarte y apropiacionismo]
Por Rafael Pinilla, licenciado en historia del arte
La década de los 60 es un período de especial relevancia en el campo creativo; en esta época aparecerán una diversidad llamativa de lenguajes artísticos que convivirán e incluso interactuarán entre ellos. Es la época de la ambigüedad del pop art, del reduccionismo del minimal, de las intervenciones paisajísticas del land art o de la irreverencia transgresora de Fluxus. También durante esta década y la siguiente los artistas intentarán vincular más que nunca el arte a la vida; son tiempos en que el objeto artístico tiende a una progresiva desmaterialización y la obra de arte aparece muchas veces ligada al entorno más inmediato.
En estos años se estaban produciendo tanto en Europa como en Estados Unidos una serie de fenómenos que sin duda condicionarán decisivamente a la sociedad y a la práctica artística del momento. Se había salido del conformismo de la década anterior y se imponían nuevos cambios; además, la crispada situación socio-política no propiciaba precisamente el inmovilismo. En Estados Unidos moría asesinado Kennedy, estallaban violentos disturbios raciales y se enviaban tropas a Vietnam. Será una época de revueltas y de ideas revolucionarias que pretenderán cambiar el mundo; aparecerá con fuerza el pacifismo, surgirán las comunas de hippies, y se producirán unas revueltas estudiantiles que marcarían para siempre a toda una generación.
Junto a todo esto, el inicio de la década vendrá también caracterizado por el creciente poder del control informativo. Son tiempos en que la enorme presencia de televisiones, radios y prensa están llamados a condicionar poderosamente la forma de pensar del hombre occidental. Sin embargo, a pesar de ello, los sectores más críticos de una sociedad cada vez más desengañada y combativa reaccionarán ante la unidireccionalidad manipuladora de los mass-media.
Precisamente hay que relacionar los orígenes del vídeo y su incorporación a la práctica artística con esta oposición militante y combativa a los medios de comunicación, y de forma más concreta a la televisión. Además de esta actitud contrainformativa, el vídeo también aparecerá ligado a lenguajes interdisciplinares y anti-objeto de los artistas del happening, la performance o el grupo Fluxus.
Vinculado a Fluxus aparece la figura de Nam June Paik, uno de los pioneros -si no el pionero- del videoarte. Este histriónico coreano coincidirá con el alemán Wolf Vostell en la ciudad de Colonia; precisamente en los famosos estudios de la WDR-TV ambos iniciarán sus primeras experiencias con el medio televisivo. En 1963 Paik y Vostell mostrarán sus primeras realizaciones artísticas con aparatos de televisión. En 1965 Paik llevará a cabo su primera exposición personal en la ciudad de Nueva York. Ese mismo año logrará adquirir un portapack de Sony antes de su comercialización y con el filmará la primera obra con un equipo portátil de vídeo.
Estas experiencias pre-vídeo serán anteriores a la definitiva comercialización en Estados Unidos del portapack; con el lanzamiento de Sony del equipo portátil de vídeo en 1968 es cuando se iniciará la larga carrera del videoarte. Poco a poco el nuevo medio se irá incorporando a todo tipo de disciplinas artísticas -música, danza, performance-, también pronto tendrá lugar la primera muestra monográfica sobre videoarte en Estados Unidos.
Después de estas primeras experiencias, el vídeo atravesará un importante desarrollo en las siguientes dos décadas; de hecho la lista de artistas que se afiliarán al vídeo podría ser lo suficientemente extensa como para poner de relieve que pronto la videocreación será asimilada y absorbida por los circuitos artísticos comerciales. Precisamente esta asimilación institucional coincidirá con la crisis de la modernidad y el inicio de la era postmoderna. A pesar de todo, el videoarte no morirá con la modernidad y continuará su trayectoria, una trayectoria realmente rica y heterogénea plagada de propuestas e ideas particulares.
Una de las prácticas artísticas mas peculiares que aparecerá ligada al fenómeno del vídeo será el denominado found-footage. Muchos artistas se interesarán por las posibilidades del collage y la apropiación aplicada al terreno del vídeo. Así, alrededor de los años 60 aparecerán una serie de creadores y colectivos que articularán un discurso visual a partir de todo tipo de fragmentos de filmes o programas televisivos. Esta corriente tendría sus antecedentes en la plástica cubista de Picasso o Braque y en las aportaciones dadaístas de Schwitters, Arp o Ernst. También aparecerá una estrecha conexión con los movimientos pop y su interés en la acumulación de lenguajes relacionados con los medios de comunicación y la publicidad.
Sin embargo, además de las corrientes de vanguardia , el recurso del collage y la apropiación de la imagen -en este caso filmada- será utilizado por la misma industria cinematográfica. Si se presta atención, ya desde el primer cine se observa el recurso de la incorporación de fragmentos extraídos de otras fuentes filmadas. Y no sólo el cine utilizará el recurso del reciclaje o la apropiación de imágenes; si observamos la televisión contemporánea, cualquier noticiario, serie, spot o video-clip utiliza con alegría el recurso de la usurpación audiovisual. En cualquier caso esto pone de relieve que la práctica del collage, apropiación o reciclaje fílmico se remonta al mismo origen del medio audiovisual.
La obra basada en el reciclaje y la apropiación plantea una serie de interesantes cuestiones. Este tipo de obras prescinden de la filmación convencional y del rodaje; se trata de un tipo de realización de bajo coste. Los artistas del reciclaje audiovisual son conscientes de la inmensa cantidad de imágenes que pueblan el entorno del hombre moderno; existen una gran cantidad de obras filmadas que pueden ser reutilizadas con otros fines. Precisamente en este último punto se encuentra la idea principal del film de reciclaje; la manipulación y reordenación a la que el artista somete la imagen propicia una nueva visión; esta nueva mirada oscila normalmente entre la crítica visceral o el simple ludismo. En cualquier caso la imagen primigenia propiciará sin quererlo una nueva lectura de ella misma.
De todos los creadores vinculados a este tipo de obras basadas en la sustracción cinematográfica y su posterior manipulación, merece una especial atención por su radicalidad los grupos situacionistas y letristas. Estos dos grupos, con un carácter abiertamente combativo, contarán con la militancia en sus filas de personalidades como Guy Debord, Cécile Fontaine o Roland Sabatier. Estos colectivos cuestionarán la propia imagen filmada a través de todo tipo de intervenciones y acciones directas sobre el mismo film. Así, en muchas de sus obras, se agredirá de forma virulenta la imagen y el sonido, atacando violentamente a la vacía y hueca reproducción realista.
Estas agresiones consistirán a veces en el raspado, la ralladura o incluso el perforado de la cinta con todo tipo de elementos y sustancias. Junto a este ataque a la fidelidad realista de la imagen, también se pretenderá la total adulteración del sonido original a través de interferencias y distorsiones. Estas actitudes agresoras implican una destrucción radical del material sonoro y visual de la película, impidiendo al espectador la simple contemplación estética de la obra en cuestión. En cualquier caso estos grupos basarán su discurso en la acción y en la agresión de la imagen apropiada. Al final, además del ataque virulento a la imagen, también se pretenderá en última instancia la agresión al espectador convencional; un espectador que, como ocurre hoy en día, aparece sumido en la más absoluta de las parálisis.
Quizás una nueva actitud iconoclasta ante la sobresaturación visual que hoy padecemos no esté demasiado en consonancia con los tiempos que corren. En pocos años la densidad de la iconosfera se ha ampliado considerablemente; el hombre actual aparece envuelto en un torbellino de imágenes, las nuevas tecnologías permiten incluso sumergirse en ellas. Es por eso que una actitud crítica ante la imagen -ya sea cinematográfica, televisiva o infográfica- y su casi siempre vacío contenido, se hace necesario por no decir vital.
REFERENCIAS
Top50 películas de dominio público
Open Culture
Free movies online list
Free Hitchcock Movies
Archive.org
Public Domain Movies
List of films in the public domain in the United States
Found-footage/ Apropiacionismo
Videoarte Tumblr
Experimental film found-footage vimeo channel
Cine reciclado Tumblr
Las Barbas Indómitas
María Cañas
Xoxé Tétano
La bronca del bibliotecario
La Sociedad del Espectáculo
Alberto Cabrera Bernal
Left Hand Rotation
Desfasada en Disneyland
Fantasmas en GoogleMaps
Waaaaghrt!!!
Ganglios + Lefthandrotation
Bibliotecas de audio
Free-sound project
Jamendo
ALUMNOS
El número máximo de alumnos será de 25 personas.
El nivel técnico de vídeo es indiferente, aunque es aconsejable estar familiarizado con el uso de ordenadores.
HORAS
Mínimo de 12 horas y máximo de 25 horas
CALENDARIO
El taller se impartirá en un total de 20-25 horas distribuidas en seis días (flexible).
En cada jornada (de unas 4 horas) se dedicarán aproximadamente las dos primeras horas para explicar el manejo del software.
NECESIDADES TÉCNICAS
• Pantalla de proyección y altavoces conectados al ordenador de la profesora.
• Conexión a Internet (para posibles descargas y visionado online de los referentes)
• Ordenador: Es aconsejable que los participantes dispongan de su propio ordenador portátil.
• Tener instalado Adobe Premiere Pro o cualquier versión de Adobe Premiere CS
Nota: Se puede descargar gratuitamente el software de prueba de 30 días que Adobe ofrece en su página web:
http://www.adobe.com/cfusion/tdrc/index.cfm?product=premiere_pro
Es preferible no instalar antes de una semana del comienzo del taller, pues el programa tiene un mes de caducidad.
